L’AMOUR FLOU, un hymne à la bohème

Un plateau nu à Montreuil, une famille qui se disloque sans s’éloigner, un chien qui pue et deux enfants au milieu de ce joyeux bordel, L’amour flou c’est aussi fou et flou que ça. Un hymne à la bohème réjouissant où l’amour se réinvente !

Après dix ans de vie commune et deux années de réflexion difficile, Romane et Philippe en arrivent à la conclusion qu’ils ne s’aiment plus assez pour continuer à former un couple et vivre sous le même toit. Oui mais voilà, ils s’aiment encore suffisamment pour décider de ne pas trop s’éloigner non plus afin de préserver leurs jeunes enfants qu’ils adorent. La solution est toute trouvée quand Romane rencontre un promoteur immobilier qui lui souffle l’idée de prendre deux appartements côte à côte qui aurait pour pièce commune la chambre des enfants. Ainsi ceux là pourraient tour à tour rendre visite à papa ou maman. Cette décision accueillie de façon sceptique par leurs proches leur donne l’idée d’en faire un film. Non pas pour créer un objet autocentré sur leur vie mais plutôt pour raconter l’histoire qui est la leur en la transformant en comédie tour à tour légère, drôle et émouvante.

L’amour flou, voilà un titre qui sonne bien, qui cligne de l’oeil à Breton tout en y ajoutant des ailes (des « l »), celles du désir qui n’est plus tout à fait le même. Flou comme Philippe Rebbot sans ses lunettes, comme Romane Bohringer au lit avec un homme puis une femme, flou comme une famille séparée mais très unie. Comment refaire sa vie ou plutôt la continuer ensemble et séparément ? Comment tomber à nouveau amoureuse quand son ex vit à quelques mètres ? Va-t-il entendre nos ébats ? S’en moquer ? Peut-il débarquer chez moi à l’improviste ? Autant de questions concrètes auxquelles l’ex couple apporte une réponse simple : le respect mutuel et une dose d’esprit subversif.

Il faut dire que ces deux là sont particulièrement sympathiques, il n’y a qu’à les rencontrer pour réaliser combien ils sont “nature peinture“ et très loin du showbiz auquel leur métier de comédien ou leur position de « fille de » auraient pu les exposer. On les aime d’emblée et on plonge dans leur « film de famille » avec délectation et bonheur. Philippe Rebbot avoue pourtant avoir été très hésitant sur ce projet, ne voyant pas en quoi leur vie aller intéresser les autres. Avec ses airs d’ado attardé, Philippe Rebbot n’en demeure pas moins une personne pudique tout comme Romane Bohringer qui confie avoir eu beaucoup de mal à interpréter son propre rôle dans le film de son père (C’est beau une ville la nuit). Mais Romane sent tout de suite qu’il y a du cinéma derrière leur histoire et prend les rênes du projet avec une équipe réduite. « Le reste s’est fait par magie », ajoute Roman Bohringer lors de notre rencontre. On n’a aucun mal à le croire tant le film dégage de sincérité et de camaraderie.

Une certaine mélancolie traverse joliment le film lorsque les personnages réalisent qu’ils doivent aussi faire le deuil de l’image familiale qu’ils représentaient tous les quatre. Plus jamais leurs enfants, leurs familles ne les connaitront amoureux ensemble et Romane sent qu’elle a échoué quelque part là où Philippe voit ça d’une autre oeil. « On a été amis, amants, voisins, maintenant on continue d’être une famille ». Le modèle rêvé en somme même si on ne doute pas des difficultés qu’ils doivent rencontrer.

L’amour flou relève donc davantage d’une auto-fiction revue et corrigée par le biais de la comédie, à l’instar d’une Julie Delpy, qu’à un film introspectif aux accents documentaires. Partant de leur propre expérience de vie, ils convient à leur joyeuse entreprise filmique leurs familles et leurs amis, et réinventent leur séparation dans ce qu’elle a de plus romanesque. Car vivre sur le même palier implique une certaine organisation pour les enfants, un respect de la vie privée de l’autre et beaucoup de concessions. Tout cela donne évidemment lieu à des situations rocambolesques et drôlissimes dans le film comme la scène où Romane se prépare à un rendez-vous galant, masque d’argile sur le visage et crème à épiler sur les jambes, quand ses enfants débarquent pour le diner, suivis de Philippe prêt à sortir. « On avait dit que jeudi c’est moi qui sortais », s’énerve Romane.

On aperçoit aussi Reda Kateb, hilarant en amoureux des chiens, Brigitte Catillon en psy, Gabor Rassov en directeur d’école obsédé par la capillarité de Raoul, le fils du couple et même Clémentine Autain dans son propre rôle. Le film navigue au rythme de ses différentes tonalités et pêche parfois par un récit un peu chaotique mais qui traduit formidablement la philosophie de vie du duo de réalisateurs et ce qui les distingue.

De l’amour fou on passe à l’amour flou, celui qui les (dés)unit pour le meilleur comme pour le pire, car peu importe l’image qu’on reflète aux autres, leur choix est celui du bonheur, le leur et celui de leurs enfants, et leur film est un joli pied de nez  aux conventions. D’ailleurs André Breton ne disait-il pas dans L’amour fou : « La plus grande faiblesse de la pensée contemporaine me paraît résider dans la surestimation extravagante du connu par rapport à ce qui reste à connaître. »

Date de sortie : 10 octobre 2018
Durée : 1h37
Distribution : Rezo Films

 

 

CINE COMEDIES, le premier festival du « rire ensemble »

Belle initiative que cette première édition du festival CinéComédies consacré à la comédie au cinéma sous toutes ses formes ! Au programme des ces 3 jours, une rétrospective Pierre Richard, une rétrospective des Grands auteurs, scénaristes et dialoguistes de comédies à la française, une sélection de courts métrages au féminin, et des projections plein air dans la ville. Et pic du festival, un concert donné au Nouveau Siècle samedi soir, entièrement dédié au plus célèbre des grands blonds. De quoi réjouir nos zygomatiques en ce début d’automne !

Après l’ouverture jeudi soir du Festival avec l’avant-première du film de Pascal Thomas A Cause des filles et des garçons !?, une autre belle soirée nous attendait vendredi soir à l’UGC : Les aventures de Rabbi Jacob dans une très belle copie restaurée 4K, et surtout pour la première fois sur grand écran pour la plupart des gens dans la salle.

Silence Rabbi Jacob, il va danser !

On ne présente plus ce succès international de Gérard Oury avec Louis de Funès et Henry Guybet, présent pour l’occasion accompagné de Danièle Thompson, la fille du cinéaste disparu et co-scénariste. Et histoire de se mettre en appétit, un flashmob s’est déroulé place des Beaux Arts en présence d’Ilan Zaoui, le chorégraphe de Rabbi Jacob à découvrir ici.

Le public était au rendez-vous pour cette soirée culte et l’euphorie est montée en puissance pendant que les gens prenaient place dans la salle au rythme de la musique de Vladimir Cosma. Henri-Salomon-Guybet a été accueilli sous un tonnerre d’applaudissements et après quelques mots en guise d’introduction, on a enfin eu la joie de découvrir le générique et les premiers plans du film sur New York. Des années après, Rabbi Jacob ou l’histoire invraisemblable d’un bourgeois raciste contraint de prendre l’idendité d’un rabbin new yorkais, fait toujours autant sourire. Il faut dire que les dialogues cultes y sont pour beaucoup. Le film était d’ailleurs présenté dans le cadre d’une rétrospective consacré aux grands scénaristes-dialoguistes français.

Faisons un rêve de Sacha Guitry

C’est toujours dans le cadre de cette rétrospective consacrés aux grands auteurs, qu’on a pu revoir samedi le formidable Faisons un rêve de Sacha Guitry. Ecrit par Guitry en 1916 et adapté au cinéma par le même Guitry en 1936, le film n’a non seulement pas pris une ride, mais compte parmi les meilleurs dialogues de l’auteur qui s’offre le rôle de l’amant et un monologue absolument jubilatoire.

Faisons un rêve raconte l’histoire d’un mari (Raimu) qui venant de découcher et tromper sa femme, se tourne sans le savoir vers l’amant de sa femme pour qu’il lui vienne en aide. La situation cocasse est pimentée par des dialogues d’une modernité étonnante aussi hilarants que virtuoses. Sacha Guitry est absolument irrésistible dans ce rôle d’homme à femmes plein d’esprit, d’élégance et de légèreté. Le film démarre sur un prologue non moins réjouissant où une fête est donnée chez la femme (Jacqueline Delubac, troisième épouse de Guitry) et où l’on peut voir défiler Arletty, Michel Simon et Claude Dauphin sur le son de musique tzigane.

La grande soirée Pierre Richard

Samedi soir, après une petite pause en terrasse pour profiter du soleil, direction Le Nouveau Siècle pour la grande soirée consacrée à Pierre Richard autour d’un ensemble musical dirigé par le compositeur Jean-Michel Bernard. Pierre Richard est apparu sur scène ovationné par le public suite à la présentation faite par Stéphane Lerouge, spécialiste incontournable des musiques de films. Après un best of de 9 minutes retraçant la filmographie du Grand blond, les musiciens ont pris place et le concert a démarré sur les musiques de films de Chaplin et de Jacques Tati, cinéastes vénérés par l’invité d’honneur. Puis ce fut au tour des musiques de Vladimir Cosma et Philippe Sarde, compositeurs célèbres des grandes comédies qu’il a interprétées, avant l’arrivée surprise de Michel Fugain sur scène, en plein forme pour nous chanter Je sais rien mais je dirai tout. Le duo Abel et Gordon (réalisateurs de Paris pieds nus sorti en 2017 avec Pierre Richard et Emmanuelle Riva dans son dernier rôle) est également monté sur scène déguisé en lama pour une danse à leur image, poétique et burlesque. Et bien sûr, le morceau qu’on n’arrête plus de siffler depuis et que tout le monde attendait, a clôturé ce beau concert, le célèbre thème du film d’Yves Robert  Le grand blond avec une chaussure noire composé par Vladimir Cosma et interprété par Olivier Defays qui a troqué son saxophone pour la flûte traversière.

Ces trois jours ont permis au public de revisiter les grands classiques de la comédie française ainsi que la filmographie de Pierre Richard, mais également de découvrir des courts métrages réalisés par des femmes dans le cadre de la sélection La comédie au féminin. Dimanche après midi, on a pu ainsi assister à la projection de trois courts métrages à la Gare Saint Sauveur dont le poétique Le malheur des autres de la comédienne Barbara Shultz avec Jackie Berroyer. Le film sans aucun dialogue met en scène un homme qui traine son ennui près des cimetières et trouve un nouveau sens à sa vie en réconfortant les personnes en deuil.

Une première édition prometteuse donc et qui on l’espère continuera, ne serait-ce que pour redécouvrir les grands classiques du genre et voir le public rire ensemble.

 

 

FORTUNA, portrait gracieux d’une jeune exilée

Une jeune exilée éthiopienne trouve refuge dans un monastère des Alpes suisses et voit sa sa vie basculer à nouveau quand elle attend un enfant. Démunie, elle cherche ses réponses dans la paix de ce lieu entre recueillement et prière. Un film qui questionne notre humanité avec bienveillance et tolérance.

Une communauté de religieux nichée au coeur de la montagne suisse accueille des réfugiés. Parmi eux, une jeune fille éthiopienne de 14 ans, Fortuna, s’y trouve en attendant d’être accueillie par une famille. Elle passe ses journées à s’occuper des bêtes, en particulier de l’ânesse Clochette, à qui elle confie ses maux et son désarroi. Fortuna n’a plus rien et dans son exil, elle a perdu la trace de ses parents à qui elle adresse des prières tous les jours. Cette enfant sauvage et solitaire se retrouve d’autant plus seule quand elle réalise qu’elle est enceinte. Un seul plan suffit à nous révéler son secret alors que tout le monde est attablé et que Fortuna croise le regard de Kabir. La différence d’âge entre les deux pourrait laisser croire à un abus mais Fortuna est bel et bien amoureuse de Kabir. Du haut de ses 14 ans, elle ne voit pas l’homme qu’il est vraiment et ne s’étonne pas, quand ce dernier apprend la nouvelle, qu’il la tienne pour responsable et craigne pour son propre sort.

La genèse du scénario repose sur l’expérience de la compagne du réalisateur, Claudia Gallo, qui a travaillé auprès de jeunes roms dans la rue. De ces témoignages recueillis est née l’idée de raconter l’histoire de Fortuna en invitant le spectateur à épouser le point de vue de son personnage et de s’immiscer au plus près de ce qui l’anime, loin de tout jugement hâtif. Bruno Ganz (formidablement juste en chanoine supérieur) invite de son côté à la réflexion dans un magnifique échange avec l’éducateur qui suit Fortuna (Patrick d’Assumçao) et pose la question fondamentale du regard que l’on porte sur le destin des autres : pourquoi croire que ce qui est bon pour nous l’est forcément pour l’autre ? Pourquoi imposer notre propre vision et ne pas laisser l’autre juge même si cet autre n’est qu’une enfant ? Fortuna n’a plus rien, a tout perdu et cet enfant à venir est peut être devenu sa seule raison de vivre.

Dans un noir et blanc très (trop ?) stylisé, Germinal Roaux alterne les plans larges où le ciel se confond avec la terre recouverte de neige, obligeant ainsi le spectateur à dépasser le cadre (là encore, on devine une invitation à l’ouverture d’esprit) et les plans serrés sur le visage de Fortuna (bouleversante Kidist Siyum Beza), ses gestes, son regard désemparé et son sourire trop rare. On ignore tout de son passé mais les plans récurrents de mer houleuse nous laissent entrevoir et imaginer cette folle traversée qui la hante.

Une seule fois, Fortuna évoque ce souvenir de bateau entre odeur de vomi et de pétrole avec Kabir qui lui sait ce qu’elle a enduré. L’hiver rude semble interminable et Germinal Roaux rend magnifiquement compte de cet espace temps à travers des plans longs où les moindres petits gestes se déployent, où les silences résonnent au creux de la vie simple et paisible de cette communauté. Pendant tout le film, nous aussi nous trouvons refuge dans ce monastère auprès de ces religieux bienveillants mais néanmoins inquiets quand la police débarque et brusque leur voeu de silence. Le choix du noir et blanc n’y est pas pour rien et le réalisateur affirme d’ailleurs : « Mon souci est de rendre le spectateur actif, de lui donner un rôle, de l’inviter à réfléchir sur des questions essentielles de notre condition humaine. (…) Un film devrait pouvoir s’écrire dans le regard de celui qui le regarde. »

A travers le destin de cette jeune fille déracinée, FORTUNA rend hommage à tous ceux et celles poussés à l’exil qui tentent de renaitre dans un milieu souvent hostile. En nous incitant à regarder de l’autre côté du miroir, Germinal Roaux nous interroge sur notre capacité à comprendre l’autre avec empathie et balayer toute idée préconçue ou manichéenne. L’humanité est bien plus complexe et dans ce monde à la dérive on repense au vers de Paul Valéry « Le jour se lève, il faut tenter de vivre ». 

PREMIERE ANNEE, la belle surprise de cette rentrée

Après Hippocrate et Médecin de campagne, Thomas Litli clôt une trilogie sur le corps médical en nous emmenant cette fois sur les bancs de la fac dans Première année. Une chronologie inversée en somme, aux accents documentaires, qui s’avère aussi passionnante que touchante et bien menée.

On l’aura deviné, Première année raconte le parcours du combattant des étudiants en première année de médecine. A l’origine du film, l’envie de Thomas Litli “de faire un film sur l’université, sur l’énergie des étudiants au travail“. Mais en repensant à la souffrance qu’il avait endurée ces années-là et en particulier durant cette première année de médecine (Thomas Litli est aussi médecin généraliste en plus d’être cinéaste), le réalisateur a choisi son expérience comme contexte à son récit et interroge un système injuste, violent et hyper compétitif. Seuls les meilleurs passent en seconde année, mais sont-ils vraiment les meilleurs ou simplement ceux qui ont les fameux « codes », indispensables à leur succès ?

Antoine (toujours impeccable Vincent Lacoste) entame sa troisième première année alors que Benjamin (William Lebghil), tout juste bachelier, intègre médecine sans grande conviction. En prologue du film, Benjamin se retrouve face à son conseiller d’orientation qui au vu de son excellent dossier, lui suggère toutes les filières prometteuses de « belles perspectives ». Car Benjamin a les codes, ceux de sa famille – un père chirurgien, une mère universitaire, un frère normalien. Il peut tout faire et opte pour la voie paternelle. Ses facilités associées à sa capacité à se soumettre à un système broyeur vont se révéler très utiles là où Antoine, pourtant très intelligent aussi, rencontre davantage de difficultés. Peut être est ce aussi à cause de l’enjeu quasi vital pour Antoine ? Ce dernier est prêt à tout sacrifier pour devenir médecin. L’un est passionné, l’autre suit la voie presque déjà toute tracée familiale sans être toutefois sûr de son chemin. Benjamin vient d’une famille aisée qui lui loue une chambre de bonne à côté de la faculté. Une chance de plus de son côté. Son milieu social lui confère les codes nécessaires pour adopter la bonne méthode de travail et se montrer plus “reptilien“ qu’humain dans sa faculté à emmagasiner autant de connaissances. Très vite, les deux jeunes hommes se nouent d’amitié et décident de s’entraider pour réviser. Première année est donc et avant tout une histoire d’amitié poignante à un moment crucial de leur vie qui déterminera leur futur.

La grande réussite du film tient à sa construction très rythmée, haletante et à son duo d’acteurs, tous les deux formidables, qui rappelle la franche camaraderie qu’on retrouve dans les films de Jacques Becker. Là où on aurait pu attendre un récit d’apprentissage, on se retrouve face à une inversion des rôles entre Antoine et Benjamin qui confère au film sa puissance dramatique et qui permet de souligner l’absurdité du système.

Thomas Litli n’hésite en effet pas à dénoncer ce système de compétition féroce qui veut que les plus faibles ne résisteront pas longtemps. Son film très documenté et documentaire intègre des courtes interviews d’étudiants, des répliques plus vraies que nature (« ça fera une place de plus ») et des situations où l’on ressent toute la violence d’un concours. Derrière cette histoire, c’est tout un système sociétal qui peut être remis en question. Préfère-t-on vivre dans un société élitiste où la performance compte davantage que l’humanité ? Sûrement pas, pourtant force est de constater que tel est le cas, et pas seulement en médecine.

Première année, un film politique alors ? En tout cas, très certainement un film qui dépasse ce microcosme de bêtes à concours et qui penche du côté humaniste des êtres.  Comment en effet s’accomplir pleinement et trouver sa place dans une société de plus en plus impitoyable ? Antoine parviendra-t-il à réaliser son rêve ? Benjamin saura-t-il enfin rendre son père fier de lui ?

Première année en irritera certains qui se désintéresseront d’un récit “de niche“ ou encore qui reprocheront au film de ne pas les concerner. Pourtant, ce long métrage est passionnant dans son immersion naturaliste d’un milieu estudiantin qu’on ne voit jamais ou peu. On ne pensait pas se passionner pour un film qui parle de biologie moléculaire mais force est de constater que le film a d’universel ce qui nous lie : nos peurs, nos fragilités, nos rêves et notre quête identitaire.

Date de sortie : 12 septembre 2018
Durée : 1h32
Distribution : Le Pacte 

LES INDESTRUCTIBLES FONT UN RETOUR EXPLOSIF

Découvrir en avant première mondiale Les Indestructibles 2 en présence de son réalisateur Brad Bird, c’est aussi ça le Festival d’Annecy ! Retour sur ce deuxième volet explosif tant attendu .

Une salle Bonlieu archi remplie, des centaines d’avions en papier (une tradition ici) traversant la salle sous les applaudissements du public déchainé, un premier court métrage en préambule signé Pixar aussi drôle que décalé (Bao de Domee Shi) quand arrive enfin Brad Bird qui se voit remettre le cristal d’or avant la projection « cadeau » de son film. L’attente aura été longue (14 ans depuis Les Indestructibles) mais le résultat est largement à la hauteur !

La famille de super héros la plus célèbre est réduite à vivre dans un motel, leurs derniers exploits familiaux n’ayant pas remporté l’unanimité dans l’opinion publique. Helen-Elastigirl se dévoue pour trouver un emploi et inverser les rôles, Bob s’étant déjà sacrifié dans son job d’assureur. Il restera à la maison avec les enfants pendant qu’elle ira travailler. En disant cela, elle ne pensait pas trouver un emploi de super héros ! Winston Deavor (dont la voix américaine est doublée par Bob-BetterCallSaul-Odenkirk), fan de super héros qui a fait fortune dans les telecommunications lui offre en effet l’opportunité de leur redonner une image positive dans un plan de communication huilé par sa soeur Evelyn. La voici donc partie en mission caméra accrochée sur elle pour témoigner du bienfait de leurs actes. Bob se retrouve quant à lui père au foyer dépassé par les problèmes d’adolescence de Violette, l’énergie de Flèche et les super pouvoirs naissants de Jack Jack.

On peut dire que Brad Bird n’a pas fait les choses à moitié pour ce grand retour. Le film démarre en trombe avec la terrible attaque du Démolisseur que tentent de stopper nos indestructibles préférés, non sans détruire eux-mêmes plusieurs bâtiments. Les médias relayent davantage les pertes matérielles que leurs exploits qui ont sauvé des vies et l’opinion ne leur est plus favorable. C’est la crise pour les super héros devenus hors la loi et menacés de se retrouver à la rue. Qui d’autre pour les sauver qu’un riche mécène persuadé qu’ils sont victimes d’une injustice ? Et comment les réhabiliter si ce n’est en les invitant à faire ce qu’ils font de mieux : combattre le mal avec leurs super pouvoirs ? Elastigirl se retrouve propulsée tête d’affiche et la vedette d’une téléréalité hors du commun. Les cascades et les effets spéciaux sont absolument incroyables et l’on reconnait derrière la virtuosité et l’inventivité de la mise en scène, la patte du réalisateur de Mission impossible protocole fantôme.

Ce qui réjouit également toujours autant, ce sont bien les scènes de la vie conjugale où Bob doit faire face à un quotidien ordinaire qui devient extraordinaire de par les supers pouvoirs de ses enfants. Cette famille américaine malgré leurs dons nous ressemble et n’échappe pas aux clichés du genre. Un père qui aimerait bien lui aussi être sur le devant de la scène à place de sa femme, une jeune fille en plein émoi amoureux et qui se bat pour avoir l’air normale et une mère qui est prête à quitter son nouvel emploi au moindre signe de détresse de son mari. Mais la grande trouvaille de ce volet, c’est Jack Jack qui s’impose comme le personnage le plus inventif et le plus drôle. Le bébé rieur est désormais capable de se cloner, de devenir une boule de feu, de traverser les murs ou se battre avec un raton laveur et nous offre les scènes les plus mémorables.

De nouveaux super héros font leur apparition mais bien sûr on retrouve les personnages phares comme Edna (en babysitteuse dans une scène hilarante) et Frozone. La mise en scène nous tient en haleine tout le long du film avec des scènes de course poursuite de train ahurissante, des inventions géniales, une touche de féminisme décapant, un combat impressionnant dans une cage  électrifiée et un humour qui le hisse au rang des films d’animation qu’on ne se lassera pas de voir et revoir.

Elastigirl contribuera-t-elle à réhabiliter les super héros ? Vous le saurez le 4 juillet, et franchement, peu de chance que vous soyez déçus !

[FESTIVAL ANNECY 2018] PARVANA UNE ENFANCE EN AFGHANISTAN

Belle immersion au Festival d’Annecy avec une première séance des plus intenses : Parvana une enfance en Afghanistan. Réalisé par Nora Twomey, directrice du studio Cartoon saloon, PARVANA est une fable au réalisme sur la force et le courage face à l’oppression et l’ignorance.

Pas le temps de profiter du beau soleil d’Annecy, les bagages posés et l’accrédition autour du cou, c’est en direction du Pathé que démarre pour nous cette édition avec Parvana, portrait d’une famille afghane de Kaboul, adapté du roman de Deborah Ellis.

Parvana a 12 ans et vit au sein d’une famille aimante. Son père aime lui raconter des histoires sur l »histoire de leur pays qui n’en est pas à ses premières oppressions ni souffrances. Contraint de vendre quelques biens au marché pour survivre, son père se fait arrêter et jeté en prison sans raison par les Talibans. Parvana sa soeur Soraya et leur mère Fatima se voient alors dans l’impossibilité de sortir (et oui chez les Talibans pas d’homme pas de sortie !) sans homme pour les accompagner. Comment dès lors faire les courses pour se nourrir ? Parvana décide de se travestir en garçon et toute la survie de sa famille repose désormais sur elle.

La voici donc cheveux courts et tenue masculine se mêler aux hommes sur la place du marché, acheter de quoi nourrir sa famille. Mais s’il est plus facile d’être un garçon dans un monde de Talibans, les dangers ne demeurent pas mùoins présents et les mésaventures s’enchainent pour Parvana devenue un double de Souleymane, jeune héros d’un conte que son père lui racontait. La réalisatrice a la bonne idée avec sa co-scénariste  de mêler à son récit réaliste, les légendes du pays sous la forme d’un traitement graphique différent, sorte  de collage animé, qui s’inscrit parfaitement dans le long métrage et ses couleurs chatoyantes. Parvana au-delà du récit d’aventures réalistes est aussi un hommage à la richesse de l’histoire de ce pays, et aux cultures qui ont précédé le régime des Talibans. Parvana puise sa force dans les contes ancestraux qu’elle raconte à son petit frère et y retrouve les valeurs de bonté, de courage nécessaires à son salut et à sa survie dans un monde où la notion du bien semble avoir été éradiquée.

Les mésaventures de Parvana et de sa famille, l’acharnement des hommes sur les femmes, l’injustice criante de leur quotidien font de ce long métrage un film qui peut sembler parfois éprouvant et nous ramener à notre position de spectateur-citoyen impuissant. Comment survivre dans un pays en guerre sous le regard du reste du monde ? Parvana va tout faire pour libérer son père de prison mais leur sort semble scellé à celui du régime en place. Le film raconte d’ailleurs très bien en arrière plan comment ce pays au carrefour de la route de la soie s’est retrouvé plusieurs fois au cours de son histoire la proie de conquérants. Ce n’est pourtant que récemment, en 2001, que les Talibans arrivent au pouvoir et plongent la population dans un climat de terreur.

Parvana est un récit touchant, intense, habité, animé avec des décors réalistes et oniriques à la fois, qui rend un bel hommage à la diversité et à la richesse de la culture afghane. Le film sortira le 27 juin en salles.

FESTIVAL D’ANNECY 2018, UNE PROGRAMMATION PROMETTEUSE

Annecy est à l’animation ce que Cannes est à la fiction : un festival de renommée internationale avec une sélection de films en compétition, des guest stars et un marché pour les professionnels devenu incontournable (MIFA).  Cette 42e édition du festival d’Annecy se tiendra du 11 au 16 juin 2018 et rendra un  hommage tout particulier à l’animation brésilienne. Un petit panorama du programme ?

La sélection officielle

L’animation se porte bien, la preuve le Festival d’Annecy a reçu plus de 3000 soumissions de films ! Au final, 218 films seront présentés dont 10 longs métrages et 130 courts métrages en compétition, 13 longs métrages hors compétition et de nombreux autres courts projetés dans le cadre du festival. Au total ce sont pas moins de 93 pays représentés ! Le festival explore aussi les nouveaux chemins de la réalité virtuelle avec 11 films en sélection officielle VR @Annecy que le public pourra découvrir le dimanche 10.

Parmi les 10 longs métrages en compétition, on pourra découvrir Le mur du canadien Cam Christiansen, film en plein dans l’actualité sanglante du conflit israélo-palestinien mais aussi Funan du belge Denis Do, sur les atrocités commises par les Khmers rouges au Cambodge, période tragique déjà abordée dans les formidables documentaires de Rithy Panh (S21, la machine de mort khmère rouge et L’image manquante).
On voyagera également au Japon avec Miraï, ma petite soeur d’une des figures majeures de l’animation japonaise, Mamoru Hosoda et Okko’s inn de Kitaro KOSAKA (ancien collaborateur de Miyasaki), en Afghanistan avec PARVANA,  une enfance en Afghanistan de Nora TWOMEY, au Brésil, pays à l’honneur cette année, avec Tito et les oiseaux de Gustavo Steinberg, Gabriel Matioli Yazbek Bitar, André Catoto Dias mais aussi en Italie avec Gatta Cenerentola, une nouvelle variation de Cendrillon, que certains auront peut être déjà découvert à Venise, co-réalisé par  de Alessandro Rak, Ivan Cappiello, Marino Guarnieri et Dario Sansone.

Un festival aux couleurs brésiliennes

Après la Chine l’an passé, c’est au Brésil d’être célébré à Annecy ! Le délégué artistique du Festival Marcel Jean souhaitait « montrer comment ce grand territoire est une puissante source de création, comment les animateurs brésiliens ont su y puiser une expression singulière et forte. »
La programmation réalisée en collaboration avec le festival brésilien 
Anima Mundi, nous permettra de découvrir un classique de l’animation brésilienne, Sinfonia Amazônica (1953), et le documentaire Lumière, animation, action d’Eduardo Calvet mais aussi de revoir Le Garçon et le Monde (Cristal du long métrage et prix du public en 2014) ainsi que 3 programme de courts autour des questions sociétales que sont la déforestation, la sexualité ou la musique. Deux expositions, l’une dans un square en plein air sur l’animation brésilienne, l’autre, Tudo Bom, au Haras qui propose des projections d’oeuvres animées  viendront compléter ce panorama du plus grand pays d’Amérique latine.

Le garçon et le monde

En avant la musique !

« Rendre hommage à la musique dans le cinéma d’animation, c’est d’abord donner une place sur scène aux musiciens, pour rappeler de la manière la plus forte qui soit l’importance de la dimension musicale dans notre relation au film, dans l’émotion qui s’en dégage, dans sa structure même. » – Marcel Jean

Cette édition rendra hommage à la musique d’animation à travers cinq rétrospectives thématiques : Classique, Opéra, Pop Rock, De Visu, Tétralogie de Rosto mais aussi des ciné-concerts, des ateliers pour enfants initiant à recréer des bandes son. Le vendredi 15, belle surprise avec un concert de Dominique A et une performance inédite et en direct de Sébastien Laudenbach (réalisateur du très beau La jeune fille sans main) à 20h30 au Brise glace. De quoi en avoir plein les mirettes….et les oreilles !

Les séances évènements

Pour couronner sa belle programmation, le festival d’Annecy organise des séances évènements tout au long de la semaine. Ainsi Michel Ocelot aura le privilège d’ouvrir cette édition avec Dilili  à Paris le lundi soir suivi le mercredi de Hôtel Transylvania 3 et vendredi, en avant première mondiale, nous aurons la chance de découvrir Les indestructibles 2 en présence de Brad Bird qui se verra remettre le Cristal d’honneur pour saluer l’ensemble de sa carrière. Le festival d’Annecy ne plaisante pas en matière d’évènements !

Dilili à Paris de Michel Ocelot en ouverture

Enfin cette 42ème édition promet de belles rencontres (Christina Miller, Florence Miailhe, Éléa Gobbé-Mévellec et Zabou Breitman, ou encore Lino DiSalvo, Lorenzo Mattotti et Pablo Grillo), mais aussi des séances nocturnes pour les plus avertis avec la programmation Midnight specials, un hommage aux films marquants du cinéma d’animation dans le cadre d’Annecy Classics, des dédicaces, des masterclasses et même des séances en plein air.
Une très belle édition en vue !

 

 

 

 

 

PLAIRE, AIMER ET COURIR VITE, l’hymne à l’amour de Christophe Honoré

Hier, Cannes fut une plongée étourdissante dans les années 90, les années sida, une ode à l’amour sous toutes ses formes, aux gens qui doutent, qui tremblent et qui paniquent. Hier, Cannes était sous le signe  d’un cinéma générationnel qui fait du bien à l’âme, d’un cinéma qui nous plait et que l’on aime tellement qu’on a envie de courir vite pour le découvrir. Hier, Christophe Honoré, à qui l’on doit déjà de très beaux moments de cinéma, n’en déplaisent à ses détracteurs, présentait son dernier film en compétition PLAIRE, AIMER ET COURIR VITE et c’est une merveille.

Dès le générique le décor est planté. Un Paris vif, rapide, kaléidoscopique. Des personnages qui se mêlent sans s’être encore rencontrés. Et puis la caméra se pose sur Jacques, écrivain atteint du sida. Il vit au-dessus de chez Mathieu, journaliste homo plutôt ronchon mais pas mauvais bougre. L’ami de toujours. Jacques doit travailler, n’importe quoi lui ira pourvu qu’il n’ait pas à réfléchir. Invité en Bretagne autour d’un de ses livres, il rencontre Arthur étudiant rennais qui ne sent pas la crêpe au citron comme Gregoire Leprince Ringuet dans Les chansons d’amour. Il sent plutôt le chouchen, le vent de liberté, le poète Whitman et l’amour décomplexé. Arthur aime les hommes mais ne tombe amoureux que des femmes. Pourtant, il sent qu’avec Jacques ses sentiments l’emportent. Jacques de son côté se sait condamné et ne veut ni souffrir, ni s’emballer ni faire souffrir. Dilemne de la sagesse versus la fougue de la jeunesse. Entre eux rien d’impossible si ce n’est un compte à rebours inéluctable. Mais comment s’aimer quand on doit s’aimer vite ?

S’il y a un cinéaste en France dont le coeur flanche entre Godard et Truffaut, entre Demy et Eustache, c’est bien Christophe Honoré qui, depuis Ma mère ou Dans Paris jusqu’aux Métamorphoses, a toujours oscillé entre les genres, s’est même parfois un peu réfugié derrière une certaine frivolité faussement assumée. Avec Plaire, aimer et courir vite, Christophe Honoré devient au générique à l’instar de tous ses techniciens “Honoré“ tout court et c’est peut être dans ce film qu’il s’accorde à son tour à faire ce qui lui plait. Pour le meilleur. Car Plaire, aimer et courir vite est aussi son film le plus personnel.

Comment ne pas voir en Arthur, étudiant breton et cinéaste en devenir qui se cherche sexuellement  un double d’Honoré ? Le film nous plonge dans les années 90, les années sida et rappelle en cela le film de Robin Campillo 120 battements.  La comparaison s’arrête pourtant là, le film d’Honoré dressant avant tout le portrait d’un amour condamné, très 19ème (siècle pas arrondissement !) qui flirte davantage du côté de Truffaut et évoque d’autres films générationnels plus récents tels le mélancolique Eden de Mia Hansen Love ou Théo et Hugo dans le même bateau de Ducastel et Martineau pour son traitement du désir comme préliminaire à l’amour. Mais au-delà des références générationnelles, de la bande son fabuleuse (Les gens qui doutent  d’Anne Sylvestre à Massive Attack ou Marrs), Plaire, aimer et courir vite fourmille de clins d’oeil, de Hervé Guibert en photo chez Arthur à Querelle de Fassbinder en passant par l’éblouissante et atemporelle Isabelle Huppert (qu’Honoré a fait tourner dans Ma mère) dont on aperçoit la silhouette sur l’affiche d’Orlando à l’Odéon ou Koltès cité par un ami d’Arthur (« la vraie et terrible cruauté est celle de l’homme qui rend l’homme inachevé… »). Honoré se révèle derrière chacun de ces clins d’oeil et semble affronter sa propre histoire sans détour. Les liens au sein de sa filmographie sont pourtant évidents et Jacques pourrait être le grand frère d’Ismael (Les chansons d’amour), Arthur celui d’Erwann ou de Jonathan (Dans Paris). Les personnages de Christophe Honoré ont en effet en commun de se plier à leur désir pour mieux le repousser ou l’embrasser. Le désir comme prémisse de l’amour,  comme vecteur de la vie.  Ce n’est plus seulement le désir qu’il interroge, fragile et éphémère, déchirant ou léger mais le moment de bascule, l’urgence qui ressemble à une baise dans des chiottes pour reprendre les mots sous chouchen d’Arthur qui préfère se sentir vivant coûte que coûte.

Au-delà de la sexualité crue, Honoré filme les corps d’avant et après l’amour, dans les draps blancs ou la baignoire bleue, quand les êtres se retrouvent face à eux-mêmes. Vincent Lacoste n’a jamais été aussi attirant, s’élançant dans l’amour comme dans Paris, sans foi ni loi, du haut de sa belle jeunesse qui découvre l’amour au masculin pour la première fois. Quant à Pierre Deladonchamps, magnifique dans ce rôle, il incarne de son large sourire à sa sage résignation un Jacques tout en nuances. Et comme chez Honoré il n’y a jamais deux sans trois, Denis Podalydès rejoint ce duo et est à son habitude absolument formidable. Les scènes à trois sont d’ailleurs parmi les plus réjouissantes et ouvrent un épilogue très émouvant.

Plaire, aimer et courir vite est aussi un film sur la transmission, sur ce qu’on laisse derrière soi et qui construit les autres. Il y a les auteurs souvent cités bien sûr (Christophe Honoré est aussi écrivain et on le sent dans ses dialogues), les « grands frères », les amants perdus, et les doutes qui assaillent qui nous font faire demi tour ou ne pas décrocher le téléphone, les lits qu’on déserte. Et il y a l’enfant de Jacques, Loulou qui sera un jour peut être fier de son père (« même si c’est con de dire ça ») et les femmes, en retrait dans ce film, gardiennes bienveillantes, compréhensives, généreuses, présentes.

Filmé dans une lumière bleue onirique (sublime photographie de Remy Chevrin), le dernier film de Christophe Honoré est sûrement sa plus belle histoire d’amour.

 

EVERYBODY KNOWS, un huis clos qui porte bien son titre

Le 71ème festival de Cannes s’est ouvert mardi soir sous le signe de la légèreté, de la beauté et de l’humour avec un Edouard Baer en maitre de cérémonie à qui l’on aimerait attribuer la palme d’or dans ce rôle là tant il l’a campé avec la poésie et la liberté qu’on lui connait dans Plus près de toi (sur radio Nova). La soirée s’est clôturée avec Everybody knows, le film du grand cinéaste iranien et habitué de Cannes, Asghar Farhadi. Grosse déception.

Everybody knows. Voilà un titre qui porte bien son nom. On pourrait même dire de ce huis clos que tout le monde savait (everybody knew). Laura (Penelope Cruz) revient dans son village natal en Espagne pour assister avec ses deux enfants au mariage de sa soeur. Son mari (Ricardo Darin) est resté en Argentine où ils vivent pour des raisons professionnelles. La voilà donc seule au milieu des siens : son vieux père, sa soeur ainée, sa cadette et Paco (Javier Bardem) son amour de toujours. Mais en plein coeur de cette soirée festive, Irene, sa fougueuse adolescente, disparait.

Asghar Farhadi est un cinéaste impressionnant. Le monde entier l’a découvert avec A propos d’Elly ours d’argent à Berlin en 2009 puis vint le couronnement avec son chef d’oeuvre Une séparation, film unanimement plébiscité et récompensé. Suivirent Le passé, formidable film tourné en France avec Bérénice Béjo et Le client en 2016 qui déjà flirtait du côté du polar. On attendait donc beaucoup de ce film d’ouverture au casting très glamour : le couple Cruz-Bardem. Rien que ça. Pourtant dès les premiers plans le doute nous assaille. La mise en place des personnages (ils sont nombreux) et du décor donne un peu l’impression d’une publicité Barilla avec tous les clichés des pays méditerranéens (linge pendu aux fenêtres, petites places ensoleillées, embrassades)  là où pourtant Farhadi s’était complètement approprié la banlieue parisienne dans Le passé. Quand arrive enfin la scène du mariage et le talent de Farhadi à filmer la vie, les accidents (pour reprendre Pierrot le fou), le verre de trop, la coupure d’électricité, les gens qui continuent de chanter, le père ivre. Nous voici à nouveau plongés au coeur de leur vie, de leur joie jusqu’à la découverte du lit vide dans lequel Irene s’est réfugiée pour se remettre de son décalage horaire et de sa fougue amoureuse.

L’intérêt du film ne repose évidemment pas sur l’intrigue attendue mais sur les rapports entre les personnages filmé dans le huis clos d’un village où tout se sait. Difficile en effet de ne pas suspecter les invités du mariage au cours duquel s’est passé le drame. Chacun cherche à retracer la vérité avant que cela ne soit trop tard, les secrets de famille remontent à la surface et dans l’attente insupportable que traverse Laura-Penelope Cruz, peu d’autres solutions que de tenter le tout pour le tout au risque de tout perdre.

Mais si Farhadi sait parfaitement filmer les tensions, les non dits, les frôlements, le désarroi, il convainc nettement moins dans ce genre du polar malgré ses clins d’oeil au clocher de Vertigo  qui annoncent le drame à suivre. Certes Farhadi reste un grand directeur d’acteurs mais lui qui nous avait habitués à une mise en scène souvent prodigieuse et incarnée déçoit ici par un retournement facile et paresseux. Le couple star ne relève en rien nos attentes, en particulier Penelope Cruz qui surjoue les mères épleurées. Reste Javier Bardem plutôt touchant et juste mais leur présence interroge sur la pertinence et l’intérêt des cinéastes étrangers à tourner avec des stars hollywoodiennes.

Edouard Baer a ouvert cette 71ème cérémonie sur la fameuse scène de Pierrot le fou de Jean-Luc Godard (affiche du festival cette année) où la magnifique Anna Karina fredonne les pieds dans l’eau « Qu’est ce que je peux faire, je sais pas quoi faire », et s’en est emparé pour dire combien le cinéma c’était aussi l’art d’improviser avec la vie, les producteurs, les festivals… Espérons que le cinéaste iranien saura pour son prochain film tourner sans trop savoir quoi faire.

LARGUEES, un feel good movie à la française

Quand un trio mère-filles part sous le soleil panser ses plaies, cela donne LARGUées, une comédie printanière portée par trois actrices en fusion et quelques scènes réjouissantes. Le film s’essouffle hélas trop vite pour ouvrir sur une deuxième partie plus poussive et plus convenue. Dommage on se marrait bien.

Rose et Alice sont deux soeurs que tout sépare. L’une est un oiseau de nuit en santiags et mini-short, l’autre une mère de famille exemplaire un peu trop rigide.  Elles sont pourtant toutes les deux déterminées à sortir leur mère Françoise (Miou-Miou) de sa déprime suite à sa récente séparation d’avec leur père, parti pour une bien plus jeune, et s’envolent pour une parenthèse en club à La Réunion. Mais Françoise va se révéler une nouvelle femme plus vite qu’elles ne l’espéraient.

Eloïse Lang retrouve sa « connasse » fétiche (Camille Cottin découverte dans la série de Canal + et qu’on a retrouvé depuis dans Dix pour cent) et lui attribue une autre Camille dans le rôle de la soeur un peu coincée (Camille Chamoux). Entre elles les répliques fusent et le film démarre en trombe. Il faut dire que Rose a la langue bien pendue et son côté ado attardée en fait une “larguée“ de première catégorie. Sa soeur Alice, à force de vouloir tout contrôler, se perd aussi elle-même et ce voyage inaugure une remise en question du bonheur au féminin : peut-on être heureuse quand on n’a pas d’attache ni de relation amoureuse sincère (Rose), quand on est entièrement dévoué à sa famille quitte à mettre de côté ses propres désirs (Alice), quand notre jeunesse est derrière nous (Françoise) ? La réponse d’Eloïse Lang se situe du côté de la légèreté des sentiments induite par une trêve pas si idyllique mais qui a le mérite de les bousculer toutes les trois. Rose et Alice voulaient remettre leur mère sur pied. C’est aussi elles que ce voyage vient secouer.

Personne n’est simplement ce qu’il laisse paraitre. Ainsi Rose n’est pas aussi désabusée qu’elle le laisse croire. D’ailleurs elle qui se targue de ne pas vouloir d’enfant va tisser des liens forts avec le seul gamin du club en vacances avec son père lui aussi dépressif (le « Chien de Navarre » Thomas Scimeca, hilarant dans Apnée). Larguées dresse en cela un portrait de femmes au-delà de la comédie. Cela ne suffit malheureusement pas à sauver la deuxième partie et ses multiples rebondissements poussifs. Si en effet le trio fonctionne à merveille et donne lieu à des dialogues drôlatiques, on finit par se lasser d’un scénario qui accumule des situations n’évitant pas les clichés.

Car Larguées n’échappe pas à la caricature ni aux traits grossiers propres à la plupart des comédies françaises. Chaque acteur a son kit personnalisé venant souligner son rôle et pallier l’absence de psychologie des personnages. Rose est donc quelqu’un sans gêne, libre qui ne dort jamais et boit beaucoup quand sa soeur Alice, elle, s’inquiète à distance pour les poux présents dans l’école de ses enfants ou pour sa ligne. Idem pour les seconds rôles : Romain le gentil organisateur un peu lourdaud et qui ne sait pas nager ou Thierry (Johan Heldenbergh) le bellâtre quinquagénaire, dessinateur à ses heures perdues, derrière qui se cache une âme sensible. C’est d’autant plus regrettable que le début, fort bien rythmé, nous emporte véritablement et laissait croire qu’une comédie – à l’instar du travail de Bacri et Jaoui – peut aussi être fine.

Larguées est donc un “feel good movie“ à ne pas bouder, relevant malgré tout le niveau des comédies françaises les plus décevantes (et elles sont nombreuses !). Le film aurait pourtant gagné à ne pas s’égarer dans un scénario à rebondissements attendus pour se concentrer davantage sur le trio mère-filles et permettre aux personnages de s’incarner avec plus de sincérité.