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Ondine et Paul s’aiment. Mais Ondine est épuisée par leur histoire et quitte Paul. Paul jure qu’il n’aimera plus personne après elle, et lorsqu’il rencontre Camille, il la poursuit pour mieux la délaisser et venger ses blessures. Camille ne le voit pas de cet oeil et lui jette un sort pour l’obliger à l’aimer. Entre la tragédie grecque et le conte moderne, le premier film en tant que réalisateur du comédien Grégoire Leprince-Ringuet revisite le triangle amoureux, la passion dévastatrice et les sentiments exacerbés, le tout en jean baskets et alexandrins.

On connaissait Grégoire Leprince-Ringuet acteur, celui-là même qui a démarré auprès d’André Téchiné dans Les égarés et qu’on a pu découvrir depuis chez Christophe Honoré (le beau gosse des Chansons d’amour qui fait flancher Louis Garrel, c’est lui !), Bertrand Tavernier ou Robert Guédiguian. Le voici désormais réalisateur – ce qu’il avoue avoir toujours voulu être – mais aussi auteur et poète.

La forêt de quinconces démarre sur une scène de rupture qui annonce tout de suite la couleur : un film dominé par le langage des sentiments et très écrit. « Je voulais commencer le film par un grand coup de tonnerre, et plonger le spectateur au coeur de l’action et de la couleur du film », précise Grégoire Leprince-Ringuet.
Dans cette scène, Paul entraine Ondine (Amandine Truffy) dans une course effrénée en pleine forêt alors que celle-ci lui supplie de calmer la cadence.

Inévitablement elle tombe, s’écorche et sa chute signe là la fin d’une relation devenue épuisante à l’image de cette course. La scène alterne les cadrages serrés à l’épaule et les changements d’axe traduisant ainsi la fragilité des sentiments et le chaos de la rupture amoureuse. Ondine le quitte et Paul est anéanti. Au départ on se sent un peu chez Eric Rohmer ou chez René Féret, deux cinéastes qui aiment déployer la parole, mais très vite La forêt de quinconces s’affirme par sa singularité formelle, son langage d’un autre siècle et la multiplicité des genres qui le rendent inclassable. Le film marie l’invraisemblance (du langage, des situations comme du temps) et le réel, la contemporanéité et la désuétude.

Paul rencontre un clochard devin qui le met face à ses choix et son destin et le décide à jeter son dévolu sur une femme qu’il croise dans le métro (Camille alias Pauline Caupenne). Il la suit dans un théâtre et la rejoint dans une scène de danse collective improbable et envoûtante, lui parle, la séduit et passe la nuit avec elle. Camille s’enfuit au petit matin mais en ouvrant la porte découvre la valise d’affaires que lui a ramenée Ondine. Jalouse, elle décide de lui jeter un sort à l’aide de son bijou, obligeant Paul à l’aimer à en devenir fou. Celui qui croyait dominer l’amour et lui jouer un tour se retrouve donc ensorcelé malgré lui tel Tristan et Iseult.

Le film entre tourments, lyrisme et théâtralité pêche un peu dans son rythme et son rapport au temps. Les effets d’ellipse, de désynchronisation son-image jouent en défaveur du film qui finit par nous perdre un peu tant le temps semble s’étirer à l’infini et n’accorder aucun repère. Grégoire Leprince-Ringuet exhalte la passion amoureuse mais à trop mêler les genres (fantastique, conte, drame amoureux) et trop questionner les sentiments, les fantômes du passé, les sortilèges de l’amour et la fatale destinée, La forêt de quinconces finit par devenir une forêt un peu broussailleuse.

Ceci étant dit, reconnaissons néanmoins son extrême singularité et sa velléité de réhabiliter la passion amoureuse à une ère qui ressemble davantage à un terrain vague qu’à une forêt ordonnée. Notons également la présence du formidable duo Marilyne Canto-Antoine Chappey  qui, au-delà d’être des acteurs qu’on adore, apportent ici une touche de vraisemblance tant dans leur jeu que dans leurs personnages, et qui nous aident à souffler un peu. Grégoire Leprince-Ringuet ne manque pas de mentionner l’influence du cinéma d’Arnaud Desplechin qu’il affectionne particulièrement. On se dit pourtant que son film flirte davantage du côté de cinéastes atypiques comme Vecchiali ou Guiraudie. Et ça, c’est plutôt un compliment !

RENCONTRE AVEC GREGOIRE LEPRINCE-RINGUET ET PAULINE CAUPENNE 

Pourquoi avoir choisi de faire un film plutôt qu’une pièce pour La forêt de
Quinconces ?

Grégoire Leprince-Ringuet : j’ai toujours voulu être réalisateur. Je fais beaucoup de théâtre mais le film s’est imposé tout de suite. Le langage du cinéma m’a permis d’être très près des acteurs dans des valeurs de plan différente et même sur le conseil de mon chef opérateur d’utiliser des formats pour traduire les émotions et la folie de Paul (NB : le film alterne les formats en 2.40, 1.33 et 1.66).

Ce n’est pas trop difficile de produire un film en alexandrins en 2016 ? 

GLR : Au départ quand j’ai annoncé que mon film serait en vers c’est un peu comme si j’annonçais que j’avais le cancer. Tout le monde était désolé. Il fallait quelqu’un comme Paulo Branco (son producteur) pour avoir le courage de produire ce film. Je ne vois d’ailleurs pas qui d’autre aurait pu le produire !

Pourquoi avoir écrit un film en vers ?

GLR : J’adore la poésie depuis toujours. Et je cherchais une légitimité pour passer derrière la caméra et le fait d’écrire en vers me l’a donnée. J’ai appris beaucoup de vers au théâtre, en jouant du Racine surtout, j’ai lu Paul Valéry, Baudelaire, Rimbaud, et suis fasciné par cette langue magique. Pour écrire en vers il faut en apprendre beaucoup afin de conserver la musique en soi.
Ma peur était de lasser le spectateur et je voulais absolument qu’il y ait des « phrases normales » comme des respirations dans le texte. On a beaucoup répété pour se rendre compte de l’effet rendu. C’est d’ailleurs une chose que je conseille : de tourner en plusieurs fois, de se diriger ensemble en plusieurs cessions. Ca permet de construire le film petit à petit, on filme, on monte un peu, on répète et on construit tous ensemble en fonction de ce qu’on a filmé.

Pauline Caupenne : oui je ne sais pas du tout comment ça aurait été si on avait tourné 30 jours d’affilée la tête baissée ! Le fait que le tournage fut espacé nous a permis de voir si ça marchait et a permis à Grégoire de prendre le recul nécessaire et de réécrire si besoin.

On connait le parcours de Grégoire mais vous Pauline avez un parcours très atypique. Vous avez joué notamment dans un premier film en Inde…

Pauline Caupenne : Oui en effet j’ai démarré ma carrière d’actrice quand j’habitais en Inde où je me suis retrouvée à jouer dans une superproduction Bollywood. Après je suis rentrée en France et me suis plongée dans le théâtre. C’est là que j’ai rencontré Grégoire. Son film était un projet ambitieux et réunissait plusieurs choses que j’aime comme le théâtre et la danse, car dans ce film-là aussi je danse ! Aujourd’hui je souhaite continuer à faire du cinéma, j’écris d’ailleurs un film en ce moment, un court métrage que j’aimerais réaliser.

Qu’apportent les vers dans votre film par rapport à la prose ? 

Je dirais d’abord que par amour des acteurs, je voulais leur donner de la matière, et souvent je trouve qu’un acteur a plus de matière à défendre quand il a plus de texte. Les vers apportent un certain lyrisme. C’est un moment où la parole ressemble à de la musique, un peu comme dans la comédie musicale. Je voulais aussi gratifier le spectateur du plaisir d’entendre des vers même si je ne voulais pas que ce soit systématique. Ensuite les vers sont aussi un coup de pouce au merveilleux du film. Cette parole a un statut un peu magique aussi. Les vers permettaient de favoriser les effets du merveilleux dans le film.

Pensez-vous que notre époque n’est pas assez romanesque ? 

GLR : Oui probablement. Avec ce film, je voulais aussi continuer de faire vivre un pan du cinema qui est loin du cinéma français naturaliste. On est très forts en cinéma naturalistes en France mais j’avais envie  de renouer avec un cinéma plus ancien, comme celui de Carné, je pense aux Portes du paradis par exemple avec le personnage du clochard devin ou aux films de Jacques Demy. Je voulais expérimenter une forme d’expression différente et cela passait pour moi par la parole poétique. (…). L’héritage de Pialat, de la Nouvelle vague est si important qu’on a souvent l’impression que c’est comme ça qu’il faut faire des films. Moi j’essaye de prendre un chemin de traverse. Avec ce film on a voulu ré-enchanter le monde, dire que tout est exceptionnel, même à outrance, être dans la démesure.

Peut-on voir la foret avec les arbres en quinconces comme la métaphore d’une époque qui offre plusieurs facettes mais qui sclérosent à la fois ? 

GLR : Oui bien sûr ! La forêt offre de multiples perspectives, de multiples choix de chemins mais le personnage peut aussi se retrouver paralysé, ne pas arriver à choisir et rester au même endroit. Quant à la métaphore sur l’époque… sûrement, inconsciemment.

Que vouliez vous éviter à tout prix en réalisant et en interprétant votre film ?

GLR : Je voulais éviter que le film soit vieillot. Je voulais qu’il soit très contemporain, filmé dans une ville. Le film est tourné dans le nord est parisien, je voulais qu’on voit des gens, le métro, des parcs, des villes dans une ville, des différents espaces comme autant de possibles. Et je voulais aussique le spectateur soit happé par le film et ne s’interroge pas toutes les deux minutes sur le type de film dans lequel il était.

PC : Moi je voulais éviter le côté théâtral et le côté manichéen de mon personnage. Ne pas être « la méchante ». Camille est plus ambiguë que cela.

Questions Anne laure Farges et Grégory Marouzé